FIC VÍA XIV. LOS RASGOS DEL CINE EN SUS RECORRIDOS

16 de decembro, de Álvaro Gago (2019)

El FIC Vía XIV de Verín, nombrado en homenaje a esta calzada romana que recorre el Val do Támega, presenta en su nueva edición una visión variada de diversos caminos que se cruzan entre ellos, dibujando una programación que apuesta siempre por el formato corto y que va desde lo experimental al cine de entretenimiento.

La primera sección, A Raia, es una línea. Una línea que no separa exactamente nada, sino que traza un recorrido con muchas curvas y afluentes que se aleja, se divide y se retuerce para volver siempre hacia la tierra desde una mirada social. Esta raya dibuja una colectividad que se relaciona de manera compleja, por medio de convenciones y ciertos comportamientos rituales que, como ocurre en Sansa o en Encarnados, son el germen del tejido humano y de la construcción de una identidad como sociedad. Para bien o para mal, todo el mundo es parte de este tejido y, a veces, se produce inevitablemente un deseo generalizado de dinamitarlo, desde un cine mucho más convencional como ocurre con Marusía, pero también desde el vídeo-arte a través de los códigos del humor de la web y de YouTube en Intro dragon ball. Homomaquia entronca con este afán de romper el tejido de la tradición sin explosiones literales, con una animación hábil y dinámica que consigue aprovechar al máximo los recursos gráficos tradicionales. The Marvelous Misadventures of the Stone Lady es una obra agradable de ver, que habla de irreverencia con un gran despliegue de medios en la animación de sus estatuas protagonistas. En esta sección también se retratan una serie de situaciones oscuras y extremas desde guiones relacionados con la violencia, como ocurre con la historia de Lucía en 16 de decembro o de la protagonista de O que precede á caída é branco, pero también desde miradas más relacionados con el humor negro, a través de los personajes caricaturescos de la Sagrada Família, obra que compone un retrato colectivo que funciona como un cuento.

El recuerdo, la partida y la nostalgia por una especie de hogar emocional ante el desarraigo están presentes en muchos de los cortos de formas distintas. Farruca, que se construye con los recursos del fashion film, trata la figura de una mujer gallega a través del recuerdo, creando una sencilla pero hermosa puesta en escena con simbología propia. Santa Baia de Montes y Letters from childhood son en definitiva dos cartas de amor en «voz en off» dedicadas de nuevo a dos figuras femeninas: la tierra natal de la directora, en el primer caso, y Sarah, un amor adolescente, en el segundo. Haciendo uso de una hermosa fotografía, ​A barriga de Mariana trata el desarraigo desde la indefensión ante el presente y el futuro. En Cães que ladram aos pássaros este desarraigo viene dado por la pérdida del hogar físico, del hogar, pero también por los cambios que experimenta una ciudad conocida, que se transforma de manera lenta y constante, impulsada por la masificación turística, donde los habitantes se ven desplazados por los visitantes, generando una atmósfera de incertidumbre y sopor que la directora aborda de forma sutil y con cierta frescura. La también portuguesa Past Perfect es un ejercicio de capas construido en un tono melancólico pero con toques de humor, que va desvelando y enterrando imágenes al igual que la propia memoria y el recuerdo. El recuerdo sedimenta el presente imperfecto, y jugando con las reminiscencias todo sugiere una huella que ahoga, que orada y que pesa sobre las cosas en forma de un pasado idealizado que se transforma peligrosamente en un refugio y en una excusa.

Cães que ladram aos pássaros, de Leonor Teles (2019)

Es evidente que en este recorrido las mujeres son las protagonistas, y parece que sobre su resistencia ante el agotamiento se sustenta la vida diaria. La figura de la mujer – que está presente de forma constante en toda la programación -, sobrevive por aguante. Dentro de la sección Nova, los cortos ​Pompon Girl​, ​Suc de sindria​, ​Brottas​ o She runs​ ponen esto de manifiesto. Mientras que Pompon Girl ​o ​Suc de sindria​ recurren a una comedia sencilla pero inteligente para evidenciar problemáticas relacionadas con la misoginia y la violencia machista en un sentido amplio, ​Brottas ​y ​She runs se sirven del ámbito deportivo para hablar de la obligada renuncia social y física impuesta a la mujer desde niña por la auto-limitación y los estereotipos, pero también de la imposibilidad de decidir la propia renuncia.

A pesar de que en Nova caben propuestas muy diferentes, es fácil discernir un discurso común en torno al sexo, el amor y la insatisfacción con gran presencia de películas francesas más o menos acertadas entre las que se encuentran Amies, La Belle Affaire, La Grande Vacance y Le jeune Fille et ses tocs, cuyas protagonistas se encuentran inmersas en un viaje frustrante en torno a su propia sexualidad. La temática del amor desde un punto de vista más romántico o estilizado cobra forma de pájaro en The distance between us and the sky y de abuela, contra todo pronóstico, en The Art of Saying Goodbye. Pero el sexo vuelve en los prejuicios y los estigmas sociales (Después también), en el deseo voyeurista y la venganza (Un été viril) o en la mercantilización del placer y en consecuencia del ser humano muy cuidadosamente tratado en Blue Boy, dejando ver la estructura de un juego de poder y posesión que late bajo todos los discursos anteriores.

En otro orden de cosas, los cortos animados Butterboo y Good Intentions hablan, cada uno a su manera, de culpabilidades, mientras que Paseo por New York Harbour nos recuerda que todo acto cotidiano es político.

En la sección Horizontes observamos cómo lo político, lo cotidiano, la culpabilidad, la muerte y la guerra se entrelazan en una serie de obras que giran alrededor de situaciones límites, de conflicto pero también de reconciliación. Los que no sienten presenta, a través de la claridad del impactante testimonio y la voz de la protagonista, cómo la guerra y el horror destrozan la identidad y anulan la humanidad, haciendo del miedo un juego y de la muerte una costumbre. Salam y Dark Chamber comparten esta temática del miedo y del horror desde diferentes puntos de vista. En el primer caso es algo integrado a diario en la vida de Salam, que vive con normalidad lejos del horror de la guerra, pero siempre vinculada a ella por aquellos que siguen allí. En el segundo caso, el miedo se produce cuando alguien que no ha tenido nunca vinculación alguna con el horror lo presencia de pronto. La muerte, que siempre está presente en esta sección, adquiere un carácter sagrado y amargo en la pieza La Flaca, que ilustra con cierto dramatismo la forma en que un vacío social y emocional provocado por la violencia y la exclusión puede llegar a generar devociones religiosas y sectas. Por otra parte, La chambre y En nuestra casa tratan procesos de empatía y reconciliación, mientras que Bab Sebta juega con elementos gráficos para cartografiar lo intangible de la frontera, su actividad, poniendo en evidencia lo teatral y mecánico de un sistema donde todo son barreras.

La Flaca, de Thiago Zanato & Adriana Barbosa (2018)

Dentro de estos múltiples horizontes encontramos otras miradas y formas de construir la imagen. Empleando la animación de manera sintética y bastante abstraída, la obra Flow representa cómo se mueve el espacio que hay entre las cosas, lo que fluye, materializando lo invisible. También se emplea la animación en Inside me, una pieza intimista en torno al aborto. Con un punto de vista parecido, pero a través de una formalización mucho más relacionada con el género experimental, la directora de Hard on crea un mundo extraño y particular donde todo parece artificio para hablar sobre la maternidad y la sexualidad de forma ácida y mordaz. La puesta en escena es lo más interesante de esta propuesta, al igual que en Lo siento mi amor, cuya fotografía y dirección artística destacan como sus puntos fuertes.

En otra clave distinta, Places explora la memoria de los lugares en una especie de collage. La huella del pasado en los espacios es también una presencia que se intuye en Trapped in the city of a Thousand Mountains, un documental sobre la subcultura del rap en China, que desde su forma habla de un choque entre lo nuevo y lo decadente en un sistema cerrado que cimienta su crecimiento sobre una precariedad absoluta, donde la libertad de expresión es constantemente vulnerada. Leyenda dorada es un ejercicio de realismo mágico, que también destila cierta decadencia y que envuelve en un aire kitsch y mitológico una tarde cualquiera de verano en un pueblo español. La naturalidad de las situaciones y el cuidado de todos los detalles remiten a un imaginario popular tratado con gran ingenio. Lo fantástico llevado a otro terreno se vincula en Monstruo Dios. Este cortometraje es un ejercicio de fantasía que consigue inquietar con muy pocos elementos. Tocando el misticismo y ciertos recursos del cine de terror, el resultado adquiere forma de trance o de pesadilla.

Algunas de estas miradas divergentes consiguieron diferentes reconocimientos en el palmarés, alzándose con la mención (Juck) y el premio del jurado de la crítica (Kids). Juck es un proyecto de mucha potencia, tanto visual como de contenido, que aborda a través de sus fuertes protagonistas y desde un punto de vista muy reivindicativo la feminidad, la cólera y la superación de los prejuicios. Como su propósito, además de cinematográfico, es de repercusión social, su formalización oscila entre la vídeo-danza, el documental, el cine experimental y el spot publicitario que triunfa por convicción. Por su parte, Kids forma parte de un proyecto más amplio, que incluye el videojuego y la instalación artística, y que explora los comportamientos colectivos, la alienación y el poder de la masa con una animación técnicamente brillante y conceptualmente abierta y profunda.

Finalmente, todos estos recorridos generan un dibujo complejo, compuesto por líneas que no dividen nada, sino que tejen una red amplia y variada de discursos y miradas a través de las múltiples maneras de hacer cine.

Kids, de Michael Frei & Mario von Rickenback (2019)

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